小山邨 34cm×136cm 2009年
皖南 136cm×68cm 2008年
毕宝祥现为南京师范大学美术学院研究生导师、江苏省徐悲鸿研究会常务副会长、江苏省美协理事、中国美协会员。其长期从事山水画的教学、创作与研究，出版了专著多部。毕宝祥的山水画以江南田原风光为主要题材，画风儒雅、朴实、浑厚、华滋；笔墨功底扎实，境界高旷清幽。观其作品，既可欣赏到诗意的田原风光，又可领略到超逸的笔墨美感。有专家评论：身处浮躁而喧嚣的都市，读毕宝祥的山水画，可使心境变得平和、恬淡、宁静、超然，宛若置身于现代社会的“世外桃源”。
◎ 艺术是人造的，因而人可以主宰艺术；自然是天造的，因而人只能顺应自然。人们从艺术创作中得到快乐，正是因为人可以从艺术创作中享受到“造物主”的快乐，而在大自然中，人永远都会感到渺小和无奈。
◎ 艺术要风格，但不要出格。
◎ 作品水平的高低往往依赖于作者认识水平的高低。
◎ 艺术创作一定要有感而发，此“感”为感觉、感触、感情、感动。
◎ 工具材料是硬件，画家的修养为软件，而绘画的技巧就是操作水平。没有好的软件支持，再好的硬件和操作水平也是“无米之炊”。
◎ 作品里要有“文化”，即书卷气，更要有“人化”，即人的品格、气质、个性。
◎ 作品要有内涵，而作品的内涵就是作者的内涵。没有内涵的作者，就不可能画出有内涵的作品。
◎ 艺术创作先求合理，再求合情合理，最后达到合情不合理。
◎ “道可道，非常道”。艺术之道亦然，人为扭曲艺术发展之道是违反常道的。艺术之道和自然之道、社会之道一样，是不以人的意志为转移的。
◎ 如果作画是以抒情为目的，又何必在乎工具材料、表现手法；何必在乎民族性、世界性；何必在乎大画、小画；何必在乎发表、参展……凡有在乎之意，必损抒情之纯。
◎ 画也有“豪放”、“婉约”之分。豪放者求气势，婉约者求韵味。豪放者给人震撼，婉约者耐人寻味。
◎ 作品的个性，应该是作者的个性，是作者的气质、性情、学识、修养、阅历、品格以及艺术观念的综合体现。作品的个性和作者的个性应该是统一的，个性应是自然而然、水到渠成的。因为各人主观因素的不同，作品的面貌也千差万别。初学者在临摹或模仿性的创作时就没有个性，而一旦摆脱了别人时，个性就会自然而然产生。创新则是刻意地追求作品形式的新颖。一个人天生地有气质、有个性和装扮得有气质、有个性是有根本区别的。作品的个性只有真正的艺术家才能赋予，而创新则工匠也能为之。现在有些人搞创新就像搞科学实验一样。
◎ 梨子是甜的，凡人一吃就知，无须你多费口舌。黄山是美的，凡人一看就明，无须你多费笔墨。发现别人没发现之美，这才是艺术家的责任。
◎ 艺术和生活是两个不同的、平行的世界。生活中不适合的，可以在艺术中适合，比如有些时装。因此，生活中人们在e时代，但在艺术中却可回到陶渊明时代。
◎ 作品的表现形式犹如人之着装，古典也好，现代也好，都无关紧要，关键是着装之人所显透出的气质。穿古典服装的人具有现代人的气质，从整体上讲应该是属于现代的，甚至是很前卫的，因为这何尝不是标新立异，何尝不是一种反叛，一种大胆。我们不能说穿着古代服饰的模特儿就是老古董，甚至我们可以这样认为，古代服饰被现代模特儿穿上就变成了“时装”。曾经一时，艺术界有把原始艺术当作时尚，毕加索不也是从传统的非洲木刻中得到很多灵感吗？
◎ 西方人从东方艺术中发现了艺术的主观性、意象性，并使之成为西方现代艺术的催化剂。而有些中国人却大加赞赏西方艺术的写实性、科学性，并以此来改良中国画。
◎ 就个人艺术而言，越有个性的就越有价值；就民族艺术而言，越有民族性的就越有价值、越有生命力、越能屹立于世界艺术之林。民族性即是民族的个性。
◎ “传统”山水画与“现代”山水画的关系，就像是“父”与“子”的关系，不管儿子多么叛逆；不管父子俩的面貌、性格、观念多么不同，但彼此的血脉还是相通的，基因还是相连的。
◎ 绘画创作是作者学识修养、艺术观念、生活阅历、性格气质、人生境界以及绘画技巧等方面的综合体现。具体地说，在创作一幅画时，先要考虑表现什么样的意境，形成什么样的风格。这里就牵涉到作者的学识修养和艺术观念的问题；然后要考虑怎样选择素材，这又和作者的生活阅历、主观情感紧密相连；最后要考虑怎样进行塑造表现，这又离不开你的绘画技巧。这里除了绘画技巧外，都不是课堂里能得到的。
◎ 如果说抒情之情来源于作者在登山临水时的“触景生情”或来源于绘画过程中的内在激情；而写意之意则依赖于作者的文化积淀和精神境界。情大多是一种自然的流露，而意更多的是要刻意而为。
◎ 真正的绘画作品应具备基本的三要素：主体、客体、本体。比如在山水画里主体为“心”、客体为“景”、本体为“画”。三者关系怎样处理，直接影响到作品的品位、风格、形式美感和作者对艺术的诠释。
画景为绘画中的“唯物主义”，画心为绘画中的“唯心主义”，画画为绘画中“唯美主义”。“景”里包含一切自然物象。“心”里包含了作者主观的精神、情感、认识观念、学识修养、想象力、创造力等。“画”里包含了绘画技巧、风格、形式美感等。
单纯画景：为依葫芦画瓢型，比如学生的习作。单纯画心：为随心所欲型，比如儿童画。单纯画画:为华而不实型，比如工匠作品。单纯表现某一方面，只具备一种要素即取一舍二，这样的作品，品位不高，甚至不能称其为艺术品。
画景与画心结合：为情景交融型（意象画）。画景与画画结合：为惟妙惟肖型（写实画）。画心与画画结合：抽象观念型（实验水墨）。突出两方面要素即取二舍一，风格突出，品位较高，但仍有缺憾。
画景、画心、画画三者结合，又分为：平均结合和侧重结合。平均结合，似乎完美，但过于中庸，面面俱到，缺乏个性。没有个性的作品显然是平庸之作。侧重结合又分为侧重两方面结合和侧重一方面的结合。比如:侧重于画画和画心的结合又兼顾画景，属于侧重两方面的结合的作品，好多大师晚年的作品均属此类。总之，三者结合又有所侧重的作品最为理想，算是优化组合。
绘画作品风格的千差万别、千变万化正是因为有主、客、本三要素的多种分离与组合形成的，再加上主、客、本各自的丰富性，使得艺术创作的源泉取之不尽，用之不竭。
◎ 我国经贸加入“WTO”，令国人振奋。在我国经济界为国际一体化而努力时，艺术家们也在积极地投入到“入世”的运动中。经济和艺术并驾齐驱地跨入“国际化”的门槛，这是国人所希所望。但经贸和艺术有时是不能相提并论的，经贸侧重的是交易，文化侧重的是交流。经贸交易的是物质产品，而艺术交流的是意识形态。物质产品更注重的是先进、时效、实用，以满足现代人的物质需求；而艺术交流更注重的是精神内涵、民族特色和文化传承，以促进和丰富社会的精神文明，满足民众的精神享受。物质的交易更直观、更易见成效，价值判断也容易；而艺术的交流却有个漫长的磨合、接纳过程，价值判断很难。物质交易更看重时效性，过时的东西就会被淘汰。而文化除了注重时尚性，也注重经典性。经典的艺术是不会因过时而淘汰的，比如各民族的一些经典艺术永远会得到世界的尊重和喜爱。因此我们不能简单地将物质交易和艺术交流等而观之。
但经济贸易与艺术交流也有共同之处。概括地说，一是公平、平等；二是互利、互补。具体地说，经济贸易强调的是公平和互利；艺术交流强调的是平等和互补。字不一样，实质是一样的，就是要互相尊重、不偏不倚、各取所需、各有所获，这是经济贸易和艺术交流的共同原则。
◎ 吸收最新的艺术，追逐世界潮流这本无可非议，但我们必须清楚：一、一些所谓“前沿”的、代表西方意识形态的，有些是不符合中国国情的；二、西方的一些新的艺术观念、艺术行为也是良莠不齐、鱼龙混杂的；三、吸纳西方的新观念、新艺术不能以牺牲或诋毁中国本土艺术为代价的。
◎ 文化是个具有相对独立的系统，并不能完全由国力来控制，只不过人们通常以世俗的、“物质”的眼光来评价一切。物质文明的光环，使得非物质的东西也跟着“沾光”。这些年，大陆娱乐圈流行的“港台腔”就是一例。
◎ 人，总爱给自己画圈。从地域上讲，国家是个圈；从人伦上讲，道德是个圈；从秩序上讲，法规是个圈……艺术不该有圈，因为艺术是艺术家创造的一个自由王国。但事实上，艺术家也总喜欢给自己画圈，比如有“传统”圈、“现代”圈；有“国画”圈、“西画”圈等等。尤其是：一个画家在创造了某一种程式后，从此就“画地为牢”，难脱窠臼。实际上，“程式化”就是画家最糟糕的圈。
◎ 就一幅山水画而言，不仅要表现出本体（画面的笔墨、形式）的气韵，还要表现出客体（自然山水）之气韵，同时也要体现出主体（绘画作者）之气韵。一幅作品应是这几个方面的综合表现，只有各方面都能气韵俱足，才能称为上乘之作。当然在兼顾的情况下，侧重于某一方面也是未尝不可的。“北宗”山水画就迷恋于自然山水的气韵追求，而“南宗”山水画则热衷于笔墨形式的气韵表现。
◎ 山水画还未出世，在“娘胎”里就具有了超凡脱俗的“基因”，因为孕育它的正是那些追求超凡脱俗的文人和文人们所崇尚的道佛思想。
◎ 好的山水作品应该是自然天成，其自然应该包含三方面：一是作者情感的自然流露；二是客观山水的自然再现；三是绘画技巧的自然应用。
◎ 中国画家的笔会使绘画失去严肃性，从而沦为江湖艺人的杂耍。
◎ 儒家思想对中国文化的影响是极其广泛的。但就山水画而言，影响最大的却是处世态度与儒家截然相反的道家。儒家积极入世的态度固然对文化的发展起着推动作用，但是，道家的消极出世的态度却在很大程度上直接导致了山水画的产生和发展。这是因为儒家学说是把人和艺术推向社会，并适应社会，服务社会。而道家思想把人和艺术引入自然并顺应自然。人具有两重性，既属于社会亦属自然。社会让人失望时，人总会在自然中寻求慰藉。作为绘画主体的人，一旦投入自然，那么，作品取材于自然也就理所当然了。
◎ 道家认为：道统管万物，万物因道而生，体现在山水上就是“山水以形媚道”，创作山水画时就应该“技进乎道”；道家提出“心斋”、“坐忘”，画家在登山临水时就力求进入物我两忘：“不知我之为山水，还是山水为我”的境界；道家的“五色令人目眩”，“朴素天下莫能与之争美”，“无色而五色成焉”的美学观，在很大程度上影响了水墨山水的形成；道家的对立统一，则成了山水画构成的重要法则；道家的“得鱼忘筌”、“得意忘象”，对写意山水画的形成、发展有着重要的影响。
◎ 中国画在观念上更多地受到哲学的影响，在意境上更多地受到诗歌的影响，在技法上更多地受到书法的影响。
◎ 儒道佛互补是中国文人特有的现象。“邦有道则仕，邦无道则隐。”山水画正好具有了可仕可隐的特质。进则以画争宠，以画名天下；退则以画消遣，以画怡性情。歌功颂德，抑或写愁寄恨，抑或消遣自娱，山水画都可极尽其致。
◎ 中国画里，山水、花鸟、人物各具特色，各有优势，但总体上讲，山水更胜一筹。山水画造型自由，构图丰富，意蕴深厚，气势恢弘，境界幽远。山水画易于笔情墨趣的发挥，易于气氛的营造，可塑性极强。相比之下，人物画因相貌、动态、服饰、道具以及政治、道德等诸多因素的局限，不能随意洒脱、无拘无束。在艺术创作上，外在的局限性愈大，精神的自由性就愈小，就愈不利于作者胸怀的抒发和精神意蕴的含融。因而人物远不如山水画更具有抒情性、表现性。在笔墨的发挥上也远没有山水画淋漓尽致，因而也没有山水画更具有艺术性、纯粹性。
花鸟画一般都为近景特写，偏重细节刻画，天地狭窄，多为小情小趣，“一览易尽”，缺少山水画千岩竞秀、万壑争流、千仞之高、百里之迥的气势；缺少跌宕起伏，云烟明灭的变化；缺少高旷幽深、萧散简远的境界。构图也远不如山水画丰富。山水画有清明突兀的高远，有明晦重叠的深远，有冲融缥缈的平远，这些都是花鸟画望尘莫及的。
◎ 有人说，中国画的大家大多是大器晚成，我是同意的。因为中国画的完善过程，是作者自我完善的过程。画的境界就是人的境界，画的内涵就是人的内涵。而人境界的提高、内涵的充实是要有个漫长的过程，甚至要修炼一辈子的。
◎ 中国画的笔墨是一种文化，并不是简单的工具材料。它渗透了传统哲学、美学、书法等其它文化艺术对它的影响。从这个意义上讲，说“笔墨等于零”，就意味着对中国文化的无知。
◎ 丢掉笔墨能叫“中国画”吗，就像连中国话都不会说了还能算中国人吗！
◎ 中国画家的心态大体分四类，一、为参展、拿奖而画。这类画家多为追求主旋律、大题材、大制作，极尽歌颂、赞美之能事。也有的投机取巧以求出奇制胜。二、为市场而画。这类画家多为追求群众喜闻乐见的形式和题材，追求通俗化，也有名家为了市场不断重复，粗制滥造，甚至恶意炒作。三、为爱好而画。目的是修身养性，自得其乐，丰富生活，满足精神享受。四、为使命而画。这类画家有的继承传统，有的推陈出新，有的大胆突破，但都是想为中国的美术事业作出伟大的贡献。
这四类心态，对于画家来说有的可能是从一而终，有的则可能是不断变化的。比如有的画家开始出于爱好，后来水平高了就想参展，然后又想拿奖，又想有经济效益。在名利双收后又想到了“使命”。
◎ 大师的作品放在展览会上是很难获奖的，因为大师的作品多以平淡天真为最高境界。信手拈来、自然而然的东西最为平淡。可想要在大展上获奖，非得费尽心机、八面讨好、劳命伤财不可。
◎ 好多画家都喜欢舍近求远，对身边的素材视而不见，偏要到边远地区去采风，美其名曰“体验生活、亲近自然”。其实我们无时无刻不在生活和自然中，创作的素材也俯拾即是，关键是你能否发现。身边的应该是感受最真切、体验最深刻的。如果我们连身边的、感受最真切、体验最深刻的素材都画不好，又如何去画好那些通过旅游式的采风而得来的、浮光掠影的素材呢？这样的作品充其量只是旅游的副产品。
我认为舍近求远搞素材，实际上是一种逃避行为。因为作者不敢画身边的东西，身边的都是大家很熟悉的，所以要画得好、画得新、画得深就很难。俗话说的“画鬼易，画人难”就是这道理。舍近求远又是一种讨好行为，是为了迎合人们的好奇心和新鲜感。
◎ 画家不是画你看到的东西，而是画你发现到的东西。
◎ 画家要三“炼”：炼手、炼眼、炼心。但炼手不如炼眼，炼眼不如炼心。炼手是炼技巧，炼眼是炼观察和鉴赏，炼心是炼气度和修养。
◎ 人的百分之九十九都属于社会性，真正的个性只有百分之一。艺术家怎样把握住这百分之一非常重要。
